Laurinda Branquinho

Alice dos Reis

Francisco Trêpa

Inês Brites

Maja Escher

Para muitos, o Prémio Novos Artistas Fundação EDP é a primeira oportunidade de trabalhar num contexto institucional, com acesso a um espaço expositivo de maior escala e, sobretudo, mais visibilidade — permitindo que um público vasto fique a conhecer os artistas finalistas. Num contexto em que a maioria dos artistas trabalha à margem das instituições, sem contratos, sem rendimentos estáveis e com recursos próprios limitados, esta oportunidade representa, para o vencedor, um alívio à pressão económica que condiciona a produção artística. O prémio, no valor de 20 000 euros, permitirá ao artista dedicar-se à prática com maior autonomia e tempo, e produzir sem ceder à urgência do mercado. 

O prémio que nasceu no ano 2000 teve como primeira vencedora a artista Joana Vasconcelos, seguindo-se de outros nomes que marcam a cena artística contemporânea em Portugal, como Leonor Antunes (2001), João Maria Gusmão e Pedro Paiva (2004), e mais recentemente Diana Policarpo (2019) ou, a última vencedora, Adriana Proganó (2022). Nesta edição de 2024, entre mais de seis centenas de candidaturas, foram seis os artistas finalistas selecionados — Alice dos Reis, Evy Jokhova, Francisco Trêpa, Inês Brites, Maja Escher e Sara Chang Yan. 

A exposição que reúne os seis finalistas desta edição, ocupa o MAAT como um organismo vivo que preenche o espaço, mas também o reconfigura — e, nesse gesto, as linguagens tradicionais dissolvem-se para dar lugar a obras multidisciplinares. As práticas que vemos alimentam-se de vários lugares em simultâneo: da terra, do corpo, dos objetos, da história e da ficção. É, sobretudo, um espaço fluído, dinâmico e coletivo, onde as obras conversam entre si. 

Caminhar, ajoelhar, tocar — são ações evocadas na obra de 

, que constrói um ambiente imersivo onde é convocado um envolvimento sensorial do corpo. As suas peças, suspensas ou pousadas no chão, propõem uma aproximação ritual à matéria, evocando práticas comunitárias, agrícolas ou espirituais. O recurso à cerâmica, a fibras vegetais e tecidos tingidos com pigmentos de terra, traduz uma ecologia do gesto: lenta, cíclica, sensível. Há uma recusa clara da linguagem formalista e uma aproximação a praticas ancestrais, onde 

 são inseparáveis. As peças ativam a memória do corpo numa prática de escuta e celebração da natureza que aproxima o espaço do museu à paisagem. Escher não representa o mundo, mas cultiva condições para habitá-lo de outro modo. 

, por outro lado, trabalha a partir de materiais industriais — silicone, resina, motores — para criar esculturas que subvertem a familiaridade e a funcionalidade associadas aos objetos da casa de banho. Nesse espaço doméstico de manutenção do corpo, a artista transcende o uso comum da torneira, lavatório, banheira ou bidé para dar-lhes uma dimensão sensorial e ambígua, que os torna estranhos e extremamente sedutores. Os objetos parecem emitir uma frequência silenciosa dirigida ao corpo — uma espécie de convite ao toque. As peças articulam-se como se fizessem parte de um circuito fechado, contínuo, sugerindo uma coreografia interna, como se no seu interior operasse uma espécie de sistema secreto que só a artista tem acesso. A lógica do quotidiano é perturbada — as esculturas não organizam o mundo, mas abrem fendas no que nos é familiar. 

 evoca as torres de alta tensão onde as cegonhas constroem os seus ninhos — imagens de um equilíbrio entre natureza e infraestrutura, entre o ritual de nidificação e os circuitos elétricos dos lugares. As cegonhas que vemos são híbridas, fantásticas, entidades liminares mutantes, alheias a categorias de género ou espécie, que se inserem nos chamados “polinizadores” que o artista tem vindo a desenvolver. A cerâmica emerge como uma tecnologia do cuidado, contribuindo para a construção de um sistema simbólico. Neste gesto, a escultura torna-se uma forma de imaginar outros modos de vida, reinventado as relações entre seres, ambiente e ruína. Reimaginar a cegonha, símbolo da vida e do nascimento, é um ato poético que convida a repensar a ideia de começo, existência e resistência. 

Questionar o território acontece também com 

, que o interroga a partir de formas de habitar precárias, móveis e transitórias. A artista parte do caranguejo-eremita — um animal que se desloca de concha em concha à medida que cresce — como metáfora para uma pertença instável. Essa imagem convoca quem vive em trânsito, à margem, sem lugar fixo ou direito a uma casa. A escultura têxtil que desce do teto, ampla e ondulante, desenha no espaço uma tenda quase como pele ou membrana, que acolhe e abriga. A leveza do gesto contrasta com a densidade política do que evoca: o direito à habitação. A artista coreografa um lugar provisório que convida à aproximação, um abrigo e gesto escultórico que se torna forma de cuidado. 

Com um gesto simultaneamente poético e político, 

 recupera o olhar de quem, na sombra, mapeou o céu. O vídeo que expõe, narrado na primeira pessoa, apresenta alguém que recorda a sua vida passada enquanto freira envolvida na catalogação da 

 (Mapa do Céu) — um projeto astronómico internacional iniciado no final do século XIX, que tinha o objetivo de mapear e catalogar milhões de estrelas. A artista honra este trabalho meticuloso que era em grande parte realizado por mulheres, mas que historicamente permanece invisível. Mostra-nos também uma tapeçaria que acompanha o mesmo imaginário: um grupo de freiras, algumas grávidas, ou acompanhadas por gatos, caminham em direção a uma entidade celeste, não um anjo, mas um ovni. A espiritualidade, a imaginação e a poesia, afirmam-se como formas indissociáveis de resistência e de conhecimento. 

 propõe um desenho expandido que se liberta do papel e orienta o espaço em que habita, exigindo uma meditação do corpo e do olhar. As suas marcas requerem uma atenção desacelerada, que desloca o foco do objeto para a perceção. Há uma tensão entre a escala da parede e o gesto, entre o traço e a luz, o visível e o invisível. O desenho torna-se num dispositivo que transforma o estatuto do espetador: o olhar não basta, é necessário que o corpo se movimente pelo espaço. Essa lógica expande o sentido tradicional do desenho, que vai além da linha que contorna ou representa, para se tornar um acontecimento sensível que emerge da relação entre corpo, tempo e espaço. 

O Prémio Novos Artistas Fundação EDP 2024 não só projeta uma nova geração no panorama institucional, como espelha uma urgência profunda: a necessidade de repensar modos de existência em tempos de crise — ecológica, social e política. Se cada proposta habita um universo próprio, há entre elas uma afinidade estrutural: a recusa de categorias fixas, o atravessamento entre disciplinas, a atenção ao que é frágil, comum, mutável ou invisível. 

A exposição contou com curadoria de Catarina Rosendo, Luís Silva e Sérgio Mah, e está patente no 

O Prémio Novos Artistas Fundação EDP 2024 não só projeta uma nova geração no panorama institucional, como espelha uma urgência profunda: a necessidade de repensar modos de existência em tempos de crise — ecológica, social e política.

Prémio Novos Artistas Fundação EDP 2024: Alice dos Reis, Evy Jokhova, Francisco Trêpa, Inês Brites, Maja Escher e Sara Chang Yan

Joerg Bader

Koyo Kouoh is an example of curatorial excellence, learned on the job. Nothing predestined her to become the spearhead of contemporary African art. 

Writing Her Own Story

Koyo Kouoh é um exemplo de curadoria de excelência, aprendida no trabalho. Nada a predestinou a tornar-se a ponta de lança da arte contemporânea africana.