Medardo Rosso no Kunstmuseum Basel: Ilusões de Luz, Diálogo com a Modernidade e Novos Horizontes para a Escultura Contemporânea

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DATA

04 Ago 2025

AUTOR

Alexander Burenkov

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Medardo Rosso no Kunstmuseum Basel: Ilusões de Luz, Diálogo com a Modernidade e Novos Horizontes para a Escultura Contemporânea

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Alexander Burenkov

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Há muito ofuscado pelo legado monumental de Auguste Rodin, o nome de Medardo Rosso (1858–1928) está finalmente a recuperar o seu lugar na vanguarda da escultura moderna. Embora Rodin se tenha inspirado diretamente no vocabulário impressionista de Rosso — sobretudo no seu monumento a Balzac, foi Rosso que verdadeiramente rompeu com as convenções académicas. Dissolveu as certezas materiais da escultura, confrontando os ideais de volume, permanência e frontalidade, submetendo a forma aos caprichos da luz, do tempo e do acaso. No Kunstmuseum Basel, a exposição histórica "Medardo Rosso: Inventing Modern Sculpture" oferece um encontro revelador com o paradoxo de uma “escultura sem escultura”, apresentando mais de cinquenta peças em bronze, gesso e cera, juntamente com mais de duzentas fotografias e desenhos raros.

Com curadoria de Heike Eipeldauer, do mumok de Viena (onde a exposição foi apresentada anteriormente antes de chegar à Suíça), e Elena Filipovic, que agora dirige o Kunstmuseum Basel, o primeiro museu de arte público do mundo, a exposição vai além de uma homenagem monográfica. Trata-se de uma constelação curatorial que liga as experiências espectrais de Rosso a obras de mais de sessenta artistas — de Degas, Brancusi e Modigliani a Bruce Nauman, Paul Thek e Robert Gober. O resultado é um diálogo intergeracional que ilustra Rosso como um pioneiro não só do modernismo, mas também das práticas contemporâneas que questionam a forma, a permanência e a própria representação.

Enquanto Rodin modelava a carne, Rosso modelava a luz. Rejeitava, desde o início da sua carreira, a busca académica pelo objeto acabado e derramava cera derretida sobre modelos de argila, permitindo que o material escorresse, derretesse e velasse os contornos. Estas peles translúcidas captavam e dispersavam a luz como prismas, transformando a massa em atmosfera. Obras como Alms ou Gabriella, the Laughing Girl parecem menos objetos estáticos do que lampejos de presença — granuladas, momentâneas, sem forma definida. Não é surpreendente que os contemporâneos comparassem as esculturas de Rosso às primeiras fotografias: ambas capturam o efémero, oscilando entre a visibilidade e o desaparecimento. Mas a fotografia era mais do que uma metáfora. No seu estúdio parisiense, no Boulevard des Batignolles, Rosso fotografava obsessivamente as suas esculturas, manipulando a exposição, riscando os negativos e imprimindo com um efeito de desfocagem deliberado. “A escultura existe no olho, não na mão”, declarava, substituindo o toque pela visão como juiz final. As suas fotografias de Balzac’s Head e Ecce Puer antecipam a montagem cinematográfica, fragmentando o corpo escultural em estudos de instabilidade ótica. Em Basileia, estes retratos fantasmagóricos, exibidos ao lado dos seus negativos originais e câmaras vintage, sugerem que Rosso não estava apenas a documentar as suas obras, mas a reformular a ontologia da escultura através de meios fotográficos.

O seu radicalismo estendia-se à técnica. Rosso criou a sua própria fundição e recusava-se a corrigir “erros” de acabamento. Deixava intencionalmente camadas irregulares de gesso, salpicos de cera e juntas de bronze sujas, transformando cada obra num registo do seu próprio processo de criação. Mais de quarenta motivos foram fundidos, retrabalhados, fotografados e retomados — a sua repetição não se destinava propriamente à duplicação, mas à variabilidade. O que Rosso procurava não era uma forma definitiva, mas um acontecimento visual, um momento de forma em fluxo. Nos salões do Kunstmuseum, estas cabeças e bustos com “erros de fundição” parecem de facto ter sido impressos numa impressora 3D com polímeros modernos ou modelos não polidos que sobraram da digitalização. Já na década de 1880, em Milão, após a sua expulsão da Academia de Belas Artes de Brera, Rosso propôs uma escala e um alcance revolucionários para a escultura — não para praças públicas, mas para corredores. Rejeitando a monumentalidade, cultivou uma intimidade de presença: Flesh of Others, Sick Child, Street Urchin — gestos modestos, temas tranquilos, expressões fugazes. Esta pequenez, esta recusa da grandiosidade, distinguiu-o de Rodin e influenciou profundamente a trajetória da escultura non-finito do século XX, de Giacometti a Ursuta.

O design da exposição ecoa a estética de fragmentos e molduras de Rosso. No pátio do Hauptbau, os Citizens of Calais, de Rodin, não encontram outra figura, mas uma miragem: quando comparado com a instalação líquida rosa de Pamela Rosenkranz (anteriormente exibida no Pavilhão Suíço em Veneza), o bronze de Rodin parece menos sólido, mais espectral.

Dentro do Neubau, as esculturas de Rosso estão instaladas nas suas características gabbie — pedestais de madeira semelhantes a gaiolas —, forçando um único ângulo de visão, semelhante à lente de uma câmara antiga. A sua “frontalidade escolhida” torna-se um dispositivo conceptual e experiencial. O segundo andar expande-se para diálogos curatoriais comparativos. Henri Rouart posiciona-se ao lado do Torso de Rodin, numa conversa entre o bronze oleoso e o gesso poroso. Alguns passos adiante, Aetas Aurea, de Rosso, funde-se com o nylon distendido de Senga Nengudi, e as esculturas de papel de Eva Hesse ecoam as suas superfícies trémulas. Artistas como Jasper Johns, Richard Serra, Kaari Upson e Nairy Baghramian são enquadrados em grupos temáticos — “Processo e Performance”, “Repetição e Variação”, “Aparência e Desaparecimento” —, realçando como a fugacidade da forma de Rosso antecipa as explorações atuais da anti-forma, do processo e da precariedade. Outra secção da exposição intitulada Ungestalt ecoa a exposição coletiva homónima com curadoria de Filipovic na Kunsthalle Basel em 2017, centrada no termo alemão intraduzível, que não significa exatamente sem forma ou amorfo, mas que descreve algo que luta contra a delimitação, contra a forma claramente definida; algo que é uma forma e, ao mesmo tempo, desfaz essa forma.

O radicalismo estético de Rosso não pode ser dissociado das suas convicções sociais. Simpatizante do anarquismo, rejeitou o heroísmo em favor de figuras negligenciadas: a lavadeira do porto, a criança de rua, a sombra do flâneur. Os seus materiais — cera, gesso — são tão frágeis e efémeros quanto as vidas humanas que representava. Em Basileia, há uma secção dedicada a esses corpos “invisíveis”, com Street Urchin e Kiss Under a Lamppost exibidos ao lado de foto-cronistas do início do século XX em Paris, apresentando um argumento comovente para a modernidade política de Rosso. Pode argumentar-se que ele antecipou a Arte Povera, com as suas formas instáveis e truncadas feitas de materiais “pobres” que resistem tanto à ortodoxia escultórica quanto à gravidade. As suas fotografias — quase metade das suas 500 imagens conhecidas — tornam-se essenciais para este argumento. Numa projeção multi-ecrã hipnotizante, os curadores replicam o próprio método de Rosso: um motivo cintila através do tempo, da luz e do foco, permitindo ao espectador testemunhar o evento escultórico não como um objeto, mas como uma experiência percetiva em camadas. A obsessão de Rosso pelo controlo da imagem — assinar, editar e distribuir fotografias — prenuncia as práticas modernas de auto-institucionalização. Foi através deste meio que as suas obras chegaram a nomes como Zola e Rouart, e através do qual agora chegam até nós, reenquadradas e reativadas.

O que emerge deste labirinto de luz e formas não é apenas uma retrospectiva, mas uma reescrita da história da escultura. Se a viragem escultórica do modernismo foi da massa para o potencial, Rosso é o seu progenitor esquecido. Rejeitou o “molde eterno” em favor do flash da presença. Na era da performatividade, do processo e da identidade fluida, as suas obras já não se assemelham a relíquias da Belle Époque, mas a protótipos do pensamento contemporâneo. O seu diálogo com as práticas pós-minimalistas, feministas e conceptuais não precisa de justificação curatorial — ocorre organicamente ao longo do tempo. Rosso disse a dada altura: “A luz é a essência da nossa existência.” Hoje, a luz também se torna uma ferramenta crítica — para questionar o materialismo, desvendar o poder, desfazer a identidade. A retrospectiva do Kunstmuseum lembra-nos que os museus não são meros recipientes da história, mas motores de reativação. Ao inserir Rosso entre Rodin e Kusama, a exposição liberta-o da sombra da comparação. Pelo contrário, surge como um nó radiante na rede em evolução da escultura moderna e contemporânea. Rosso transformou o bronze em névoa, conjurou a presença a partir do metal derretido e abraçou o desaparecimento como forma. Ao fazê-lo, lançou as bases para uma modernidade líquida — que fala de forma tão impactante ao nosso tempo como ao seu. Esta retrospectiva não é apenas uma celebração de um mestre esquecido; é uma sessão de espíritos ótica, uma experiência escultórica sobre a impermanência, uma recalibração necessária de como a forma e a história surgem.

A exposição pode ser visitada até dia 10 de agosto.

BIOGRAFIA

Alexander Burenkov é um curador independente, produtor cultural e escritor sediado em Paris. O seu trabalho estende-se para além das funções curatoriais tradicionais e inclui a organização de exposições em espaços não convencionais, enfatizando frequentemente a multidisciplinaridade, o interesse pelo pensamento ambiental e as sensibilidades pós-digitais, abrangendo projetos como a Yūgen App (lançada na Bienal de Design do Porto em 2021), uma exposição num ginásio ou uma exposição online sobre serviços na cloud e modos alternativos de educação, ecocrítica e estética ecofeminista especulativa. Destacam-se os seguintes projetos recentes: Don't Take It Too Seriously na Temnikova&Kasela gallery (Tallinn, 2025), Ceremony, o projeto principal da 10ª edição da feira Asia Now (juntamente com Nicolas Bourriaud, Monnaie de Paris, 2024), In the Dust of This Planet (2022) no ART4 Museum; Raw and Cooked (2021), juntamente com Pierre-Christian Brochet no Russian Ethnographic museum, São Petersburgo; Re-enchanted (2021) na Voskhod gallery, Basel, e muitos outros.

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