04 Nov 2025
Dos Textos Virais aos Hinos Escultóricos: Uma Conversa com David Douard
Entrevistapor Alexander Burenkov
“Prefiro falar de histórias de amor em vez de ficção científica. Além disso, de um ponto de vista estritamente escultural, tento garantir que as próprias formas resistam. Uma obra não deve ficar presa a um sentido fixo. Aqui, quero que fique um pouco de poesia e incompreensão. Uma escultura deve continuar a ser uma boa escultura, independentemente do significado que lhe é atribuído.”
A prática do artista francês David Douard desenvolve-se na intersecção entre detritos digitais, materialidade urbana e fragmentos de linguagem poética, onde os traços fugazes do nosso mundo hiperconectado colidem com o aspeto físico obstinado da forma escultural. Durante mais de uma década, juntou fluxos não filtrados de comentários online, poemas anónimos, textos virais e mensagens privadas, transformando este vocabulário cru e caótico em montagens híbridas que falam com as suas próprias vozes, por vezes frágeis, por vezes desafiantes. As suas instalações parecem frequentemente domésticas e alienígenas, íntimas, mas estranhas, evocando ambientes que refletem os ritmos fragmentados da existência pós-digital, enquanto recusam o espetáculo totalizante de ecrãs e fluxos de dados. No mundo de Douard, a linguagem transforma-se em matéria; a emoção e a resistência tornam-se gestos escultóricos; e o sublime tecnológico é reimaginado como algo poroso, ambíguo e insistentemente humano.
Nascido em 1983 em Perpignan, França, Douard pertence a uma geração de artistas moldada pela aceleração simultânea da informação e pela desintegração das fronteiras entre o virtual e o real. Após se ter licenciado na École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris em 2011, cedo desenvolveu uma voz singular no panorama artístico europeu, lecionando atualmente na École nationale supérieure d'arts de Paris-Cergy e fazendo exposições internacionalmente. O seu percurso foi marcado por aclamadas exposições individuais em instituições como o Palais de Tokyo, em Paris (2014, 2018), o Museu de Serralves, no Porto (2022), e a UCCA Dune, na China (2023). Igualmente presente em importantes exposições coletivas, incluindo o Irish Museum of Modern Art de Dublin (2019), o Fridericianum de Kassel (2015) e o SculptureCenter de Nova Iorque (2014), Douard também levou o seu trabalho para um palco global através de bienais em Lyon (2013), Taipé (2014) e Gwangju (2018). Uma residência na Villa Medici, em Roma (2017-18), aprofundou o seu envolvimento com questões de espaço e materialidade, enquanto o Prémio Fondazione Ettore Fico, em 2017, reconheceu o seu contributo distinto para a escultura contemporânea. Hoje, as suas obras estão presentes em importantes coleções como o Musée d'Art Moderne de Paris, o FRAC Île-de-France, o CNAP e o Museu de Serralves.
Permanent Hymns, a sua mais recente exposição na galeria Chantal Carousel, realizada no início deste ano, estendeu estas preocupações a um novo registo. Aqui, Douard põe a nu interfaces tecnológicas evidentes – sem ecrãs, sem altifalantes – para revelar como as imagens, os objetos e os gestos podem irradiar a intensidade da nossa era em rede. Os espelhos distorcem e multiplicam as perspetivas; fragmentos descartados e palavras anónimas fundem-se em organismos escultóricos carregados de emoção, ambiguidade e metamorfose. O resultado é um ambiente que parece ao mesmo tempo selvagem e meditativo, um contraponto aberto, quase espiritual, ao império de dados que nos rodeia. É como se Douard procurasse esculpir focos de resistência e admiração no meio do ruído do digital, oferecendo aos espectadores não explicações, mas convites para habitar, sentir, ouvir os murmúrios de um mundo constantemente refeito.
Alexander Burenkov: O seu trabalho baseia-se em linguagem recolhida da internet – comentários, poemas, textos anónimos – transformada em forma escultórica. Como é que esta linguagem viral se transforma quando incorporada materialmente nas suas esculturas?
David Douard: Em vez de dizer que o meu trabalho tem raízes na linguagem, prefiro dizer que dou às palavras um lugar no meu trabalho, assim como a quaisquer outros materiais, objetos ou ready-mades. Quero dar materialidade ao que é recuperado da internet. Não se trata apenas de colocar palavras numa escultura, mas também de abordar a ideia de linguagem, de escrita, ideias que, para mim, se expressam através da própria noção de assemblage. Reúno ideias, intenções. Formo uma frase, tento construir uma história.
AB: Descreve a criação de um "ambiente infetado" nas suas instalações, misturando fantasia digital e superfícies do mundo real. Em Permanent Hymns, como utiliza esta ideia para refletir sobre a vida pós-digital?
DD: A vida pós-digital é um mundo onde toda a informação é colocada ao mesmo nível, onde tudo parece significar a mesma coisa, onde tudo o que vemos faz parte de uma grande "confusão" na qual se torna cada vez mais difícil orientarmo-nos. Em Permanent Hymns, tento fazer algo com esta confusão, raptá-la para que fale por si. Nesta abordagem, um objeto encontrou o seu lugar na obra: a esfera espelhada, que reflete, mas, mais importante para mim, duplica, exagera e destaca diretamente as particularidades deste mundo pós-digital.
AB: Os seus textos abordam frequentemente a frustração, o desvio, a doença, versos que soam caóticos. Porque é que estes registos emocionais lhe tocam na era digital e como ressoam nos seus últimos concertos?
DD: Na verdade, são as emoções que mais me falam. Para mim, constituem uma forma de resistência contra um império que procura engolir tudo. São estados, em última análise, bastante positivos, porque expressam uma recusa do que é dado e uma abertura a algo mais. Quando trabalho, procuro um vocabulário que não possa ser apreendido de imediato. Quero que ele resista ao estado de coisas. O caos, uma vez que estamos a falar de caos, é o lugar onde já não compreendemos as coisas diretamente, onde a linguagem já não é aquela a que estamos habituados e onde se cria um novo mundo.
AB: Faz referência ao tecnoanimismo – imbuir objetos inertes com uma agência realista através da tecnologia. Como é que Permanent Hymns dá voz ou movimento aos detritos digitais da cultura pós-digital?
DD: Em Permanent Hymns, esta é uma das primeiras exposições em que não utilizo telas nem altifalantes. Estes meios, tão presentes nas nossas vidas, costumavam aglomerar-se em torno das peças para transmitir fragmentos digitais. Queria distanciar-me desta ideia de um espetáculo totalizante onde tudo está presente, incluindo o som, a luz e a imagem. Queria que as obras falassem de uma forma diferente. O espetáculo digital já está em todo o lado. Já não preciso de ecrãs para evocá-lo. As obras exalam-no de qualquer maneira.
AB: Em exposições anteriores, a forma surge frequentemente de dados e texto por exemplo, esculturas que giram em torno da emoção vocal. Permanent Hymns dá continuidade a esta linhagem de responsividade escultural a rastos digitais?
DD: Mesmo que não haja mais ecrãs ou colunas, a imagem permanece. Cuspindo por uma impressora, as imagens colam-se às obras. Corpos sem vida, atingidos por slogans sem sentido, coexistem com gestos puramente escultóricos. Não estou a tentar falar sobre estes rastos digitais literalmente, mas sim a organizar o que vejo, o que me fala através dos objetos.
AB: Vi a sua exposição anterior, O’Ti’Lulabies, no Museu de Serralves, onde descreveu a pirataria das tecnologias de consumo para lhes dar uma nova subjetividade. Como é que Permanent Hymns afirma uma resistência ou reinterpretação semelhante das ferramentas digitais?
DD: Para mim, a resistência existe porque o significado permanece em aberto. As obras não são primariamente sobre tecnologia ou a nossa relação com ela. Quero lembrar as pessoas que não se trata apenas disso. Muitas vezes, é o que menos me interessa. Prefiro falar de histórias de amor em vez de ficção científica. Além disso, de um ponto de vista estritamente escultural, tento garantir que as próprias formas resistam. Uma obra não deve ficar presa a um sentido fixo. Aqui, quero que fique um pouco de poesia e incompreensão. Uma escultura deve continuar a ser uma boa escultura, independentemente do significado que lhe é atribuído.
AB: As suas instalações combinam espaços domésticos, urbanos e virtuais num ambiente híbrido. Por exemplo, como é que o espaço da galeria em Chantal Carousel se tornou, no seu caso, um contentor híbrido para o discurso pós-digital?
DD: Aqui estamos a falar de espaço. É certo que o meu trabalho está frequentemente intimamente ligado ao espaço que o acolhe. Desta vez, queria experimentar algo diferente. Utilizar gestos cenográficos mais leves e focar mais as obras em si. É um tipo de exercício diferente. Para mim, fazê-lo é uma forma de rejeitar o espetáculo que acontece fora da galeria. Trata-se de transformar a exposição em algo diferente, algo que se contrapõe ao mundo exterior. Neste sentido, a galeria pode tornar-se um recetáculo para uma discussão sobre o pós-digital.
AB: A Darknet, os comentários do YouTube, as fontes anónimas, tudo isto alimenta o seu arquivo. Que parte deste corpus de linguagem oculta/sem filtros é mais visível neste último programa?
DD: Ouço muita música quando trabalho e gosto de pensar que essa música se inscreve nas obras de arte. Acredito numa relação bastante direta entre a arte e a vida. É uma visão que pode parecer bastante romântica, mas na qual acredito profundamente. Não preciso de pensar na linguagem que inscrevo nas obras; fixar-se-á sozinha, de forma quase inconsciente. Basta ver um vídeo no YouTube ou ler um poema, e no dia seguinte ela aparecerá numa peça de teatro. Durante o período em que trabalhei nesta exposição, assisti a Nowhere, de Gregg Araki, cujo título imprimi espontaneamente e colei em certas esculturas, por exemplo. Há também a ideia de homenagear as coisas que adoro e acrescentar um pouco do que vivo às obras.
AB: Referiu o Tetsumi Kudo e a ideia de mutação, a fusão de diferentes elementos num novo organismo. Há mutações ou momentos metamórficos específicos que apontaria em Permanent Hymns? Pode falar mais sobre as suas recentes fontes de inspiração na cultura digital?
DD: Obviamente, as metamorfoses acabam sempre por acontecer. É quando os objetos são reunidos e ligados por estas barras de metal (que para mim são como traços de lápis) que a mutação se completa. Colocar um candeeiro dentro de uma escultura é, para mim, uma forma de a integrar num espaço doméstico, de a retirar da sua condição de escultura. A luz traz todos os outros elementos de uma obra para uma dinâmica completamente diferente. Da mesma forma, os espelhos utilizados transformam completamente a perceção da peça. São espelhos geralmente utilizados para vigilância, ou seja, ampliam a nossa visão. Gosto desta ideia de excesso de visão, de poder ver algo que de outra forma seria impossível de apreender.
AB: O título Permanent Hymns evoca o ritual e a repetição. Como se transforma a poesia online transitória em algo sagrado ou permanente? E por que razão deu esse título ao programa?
DD: Como já disse anteriormente, muitas coisas surgem através da música que ouço. Permanent Hymns é inspirado num álbum dos The Verve. Portanto, sim, há ideias de ritual e repetição inerentes ao trabalho artístico. Algo que surge através do gesto, em conexão com a vida. Este título está lá para convidar a essa dinâmica, transmitir uma energia e fazer com que as obras ressoem com algo quase espiritual.
AB: À medida que as ferramentas evoluem para além da internet, em direção aos meios imersivos e ambientais, como vê a evolução do seu trabalho? Onde se enquadram os Permanent Hymns na trajetória da cultura pós-digital?
DD: Estou a tentar refletir sobre esta ideia de imersividade, tudo se está a tornar imersivo, os espaços privados, as ruas. Não quero que o meu trabalho se torne uma cópia daquilo que o império oferece; prefiro procurar formas de desativar as suas diretrizes. É no sentido de uma certa vitalidade em relação à prática artística que quero permanecer. Ter esta ideia em mente é, para mim, uma forma de me manter sincero.
Não importa o que façamos, a cultura pós-digital falará sempre, vivemos dentro dela. Portanto, não há necessidade de tentar falar sobre ela. Como resultado, Permanent Hymns está inscrito nesta cultura, mas não só: fala também de música, amizade e poesia.
BIOGRAFIA
Alexander Burenkov é um curador independente, produtor cultural e escritor sediado em Paris. O seu trabalho estende-se para além das funções curatoriais tradicionais e inclui a organização de exposições em espaços não convencionais, enfatizando frequentemente a multidisciplinaridade, o interesse pelo pensamento ambiental e as sensibilidades pós-digitais, abrangendo projetos como a Yūgen App (lançada na Bienal de Design do Porto em 2021), uma exposição num ginásio ou uma exposição online sobre serviços na cloud e modos alternativos de educação, ecocrítica e estética ecofeminista especulativa. Destacam-se os seguintes projetos recentes: Don't Take It Too Seriously na Temnikova&Kasela gallery (Tallinn, 2025), Ceremony, o projeto principal da 10ª edição da feira Asia Now (juntamente com Nicolas Bourriaud, Monnaie de Paris, 2024), In the Dust of This Planet (2022) no ART4 Museum; Raw and Cooked (2021), juntamente com Pierre-Christian Brochet no Russian Ethnographic museum, São Petersburgo; Re-enchanted (2021) na Voskhod gallery, Basel, e muitos outros.
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