Conferências 'Trajetórias', na Galeria Reverso

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DATA

16 Fev 2026

AUTOR

Kaia Ansip

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Conferências 'Trajetórias', na Galeria Reverso

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Kaia Ansip

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“Uma das galerias que tem garantido a saúde e o vigor da joalharia contemporânea é a Reverso, que incentiva jovens artistas e oferece uma plataforma para criadores locais. Ao longo dos anos, Crespo formou relações duradouras com os artistas. A série de conferências Trajetórias apresenta dez desses artistas, oferecendo-lhes um outro meio, além da exposição, para apresentarem a sua trajetória.”

A Galeria Reverso, dirigida por Paula Crespo, tem vindo a enriquecer o panorama da joalharia contemporânea lisboeta desde 1998. A joalharia contemporânea é uma forma de arte que ainda não chegou ao patamar da arte contemporânea, à semelhança do que aconteceu com os têxteis, a cerâmica e outros ofícios. Ainda assim, este campo está repleto de ideias e execuções magistrais, inclusive em Portugal. Realizam-se exposições, existem várias escolas de joalharia e, em setembro de 2026, terá lugar novamente a Bienal de Joalharia Contemporânea de Lisboa. Uma das galerias que tem garantido a saúde e o vigor deste campo é a Reverso, que incentiva jovens artistas e oferece uma plataforma para criadores locais. Ao longo dos anos, Crespo formou relações duradouras com os artistas. A série de conferências Trajetórias apresenta dez desses artistas, oferecendo-lhes outro meio, além da exposição, para apresentarem a sua trajetória.

A série Trajetórias é uma contribuição bem-vinda, que pretende refletir sobre o panorama atual da joalharia contemporânea em Portugal. Através de palestras e apresentações, os artistas traçam as suas jornadas desde o início, focando-se nas reviravoltas ao longo do caminho. Cada artista segue um percurso particular e pessoal, debruçando-se sobre um determinado tema de interesse. Para alguns, este tema e o foco de trabalho são encontrados ainda durante os estudos e, para outros, são resultado de encontros fortuitos ao longo do caminho. Alguns encontraram inspiração na história da joalharia, outros no próprio corpo. As histórias dos artistas são fascinantes e educativas.

As conferências tiveram início no verão de 2025 e continuarão no próximo. A primeira a traçar o seu percurso foi uma artista multidisciplinar (ou de fluidez disciplinar), Leonor Hipólito, que trabalha no interior e na fronteira de diversos campos. Os seus meios de expressão são a joalharia, a escultura, a poesia, a fotografia, o desenho, a instalação e a dança. A sua obra Thin is the Line comenta a tendência do mundo da arte para separar e categorizar os campos, embora todas as obras sirvam o mesmo desejo de expressar ideias. Estudou escultura na Ar.Co e joalharia na Gerrit Rietveld Academy, em Amesterdão. Olhando para trás, percebeu que as suas primeiras obras como estudante deixaram uma marca significativa no resto do seu percurso. O interesse e a forma como toma decisões estéticas repetem-se. O seu projeto de final de curso foi uma série de joias intitulada Tools for the Subconscious, que levava quem as usava a olhar para dentro de si, a refletir e a fazer um exercício de introspeção. Criou peças que ligavam a orelha à boca, a orelha ao nariz e brincos que bloqueavam os ouvidos, para ouvir o som interior. O interesse de Hipólito pelo corpo permaneceu intacto - apelida o corpo de “veículo onde se encontra toda a informação para nos conhecermos”. O seu trabalho tem sido apresentado em galerias e espaços privados há mais de vinte anos. Também escreve, dá palestras e workshops. O vigor de Hipólito na produção de novos trabalhos e na sua exposição é impressionante.

A segunda palestra foi conduzida pela artista Ana Margarida Carvalho, formada em matemática pela Universidade Nova de Lisboa e em joalharia e desenho pela Ar.Co. A sua prática é regida por interesses vários, desde as notícias do quotidiano, até viagens, discussões sobre política, matemática e geometria. O seu trabalho é conhecido pelas suas cores vibrantes. Agrada-lhe o aspeto da alquimia e domina a arte da anodização do alumínio. “O meu estúdio parece, por vezes, mais um laboratório do que um estúdio”, afirma Carvalho, ao cruzar o seu amor pela ciência com o amor pela arte. Também mantém a sua prática de desenho, esboça ideias para novos trabalhos e cria protótipos. Muitos dos seus trabalhos não se concretizam em jóias, mantendo-se como protótipos e objetos. Salienta a importância de estar consciente das próprias decisões durante a criação. Ganhou o primeiro prémio no 4.º Concurso de Design Portojóia em 2006, o “Prémio Assemblage” na Artistar Jewelry 2019, o Prémio Internacional ARTE Y JOYA 2020 e uma nomeação na categoria “Escolha do Júri” no Concurso Fold Forming 2021.

A artista, investigadora, autora, curadora e educadora Cristina Filipe proferiu a terceira palestra da conferência. É doutorada em Estudos do Património pela Universidade Católica Portuguesa / Faculdade de Artes e investigadora na mesma universidade. Tem sido professora convidada em várias escolas internacionais e examinadora de várias teses de mestrado e doutoramento. Em 2017, tornou-se a primeira bolseira do Susan Beech Mid-Career Artist Grant do Art Jewelry Forum para publicar o livro Contemporary Jewellery in Portugal: From the 1960s Avant-Garde to the Early 21st Century (Joalharia Contemporânea em Portugal: Da Vanguarda dos Anos 60 ao Início do Século XXI). Foi cofundadora e presidente do conselho de administração da PIN e criadora e curadora geral da 1.ª Bienal de Joalharia Contemporânea de Lisboa. É autora de artigos e ensaios e coordenadora editorial e científica de vários livros, incluindo a Coleção J, editada pela Imprensa Nacional.

A quarta oradora, a artista Carla Castiajo, mantém-se próxima do corpo na sua prática, talvez demasiado próxima para o conforto de muitos de nós, e é esse o seu objetivo. Utiliza cabelo humano nas suas jóias, todo o tipo de cabelo humano – desde o cabelo da cabeça ao pelos púbicos. A sua tese de doutoramento, intitulada Pureza ou promiscuidade? Exploring Hair as Raw Material in Jewelry and Art (2016), questiona a atração e a repulsa pelo cabelo, especialmente quando este cai do corpo, talvez no chão de uma casa de banho pública. Iniciou a sua jornada em Portugal, mas depois seguiu o mestre de joalharia contemporânea Ruudt Peters para Konsthaft, em Estocolmo, onde liderava um programa de joalharia contemporânea. Em 2008, enquanto procurava material, Castiajo encontrou o cabelo. Enquanto pensava em quais materiais usar, encontrou no cabelo “potencial para contradições e ambiguidade”, como a própria Castiajo afirma. Para a sua obra Purus et Promiscus, por exemplo, explorou a repressão sexual e o abuso de poder da Igreja Católica, a capacidade de roubar a inocência e a pureza. “As oposições e contradições sobre o cabelo são constantes, destacando o significado ambíguo do cabelo. Parece que ele não pode ser considerado puro, mas sim impuro ou mesmo promíscuo, e talvez seja por isso que é cortado em rituais de purificação”, escreveu Castiajo na revista The Fashion Studies Journal. Castiajo já expôs internacionalmente. A primeira vez que me deparei com o seu trabalho foi enquanto estudante do primeiro ano de joalharia num cemitério do convento de Pirita, em Tallinn, na Estónia. A exposição integrava uma série de três exposições que Castiajo realizou durante os seus estudos de doutoramento na Academia de Arte da Estónia. Uma das três exposições foi realizada numa casa de banho pública.

A quinta conversa ficou cargo da artista Marta Costa Reis, que ensina, cria, expõe, faz curadoria e organiza parcialmente a Bienal de Joalharia Contemporânea de Lisboa. É também a atual presidente da PIN (Associação Portuguesa de Joalharia Contemporânea) e presidente do Conselho de Administração do Art Jewelry Forum. Costa Reis iniciou a sua carreira na joalharia contemporânea relativamente tarde e fez tanto quanto possível nos primeiros anos – participou em workshops, visitou tantas exposições quanto possível e viajou para ver mais joalharia e conhecer os artistas. O seu primeiro trabalho como estudante na Ar.Co ficará provavelmente para sempre consigo. Fê-lo em homenagem às mulheres que se destacam descaradamente na sua carreira profissional, dedicado a uma amiga. O trabalho consiste em colares e uma tatuagem no braço – lábios vermelhos que parecem sérios e não sexualizados, como são frequentemente retratados. O seu trabalho de conclusão de curso, Necrocitizen – memórias de um corpo ausente, debruçou-se sobre a cor preta, o seu misticismo e a sua relação inevitável com o luto e a morte. O seu interesse pelo tema do misticismo está associado ao interesse pela história da joalharia. Esta combinação levou-a a debruçar-se sobre alguns objetos místicos cujo significado se desvaneceu e permanece desconhecido. A sua primeira exposição importante decorreu na Reverso em conjunto com Iris Eichenberg, onde trabalharam sobre a noção de tempo – o seu movimento infinito e a sua passagem. Costa Reis recordou o momento em que desembalaram as peças e, embora não tivessem visto os trabalhos uma da outra durante a sua criação, pareciam ter sido intencionalmente feitos para se encaixarem, até nos mínimos detalhes, como a cor. As obras foram então apresentadas misturadas e sem os nomes das autoras.

A conversa mais recente decorreu em fevereiro, orientada por Sara Leme, que estudou joalharia na Califórnia, Amesterdão e Lisboa. A sua formação anterior em dança moldou a sua visão da relação entre o corpo e o objeto. No seu trabalho, a artista serve-se de alguns aspetos da antropologia social e cultural para alimentar a sua pesquisa criativa no meio da joalharia contemporânea. Sara Lemes trabalha também como cenógrafa e figurinista.

Paula Crespo criou esta série de palestras porque considera que não existe comunicação suficiente entre os artistas a nível nacional. “É também útil e interessante para os artistas explicarem o seu trabalho e traçarem os seus próprios passos. Talvez exista uma possibilidade de autodescoberta nesta forma de apresentação”, afirmou Crespo, salientando a importância de analisar o próprio trabalho. É diferente ver uma obra e ouvir o seu criador falar sobre ela, outro meio de expressão acrescenta camadas à obra. “Forma-se uma maior unidade de compreensão, uma camada pessoal é adicionada à obra”, disse Crespo, que ficou surpreendida ao aprender coisas novas sobre os artistas e o seu trabalho nas conferências. Às vezes, traçar os seus passos pode levar de volta para casa quando se está perdido, se os traços não forem comidos por pássaros, como na história de Hansel e Gretel, é claro. Uma documentação inadequada ou inexistente pode prejudicar o artista, uma vez que não há nada a que se possa recorrer, especialmente quando as obras são vendidas e perdidas e não é possível localizá-las.

As palestras são abertas a todos, sendo que o público da conferência tem sido principalmente composto por artistas, com exceção de alguns colecionadores. As palestras oferecem uma excelente oportunidade para estudantes de artes e joalharia aprenderem e se inspirarem. As palestras são gravadas e editadas e estão disponíveis no YouTube, no canal da galeria Reverso, mas nem tudo é gravado - as discussões que ocorrem após as palestras não são incluídas nos vídeos. A Reverso preencheu o tempo entre as exposições com Trajetórias; a galeria transformou-se num auditório com seis filas de assentos e capacidade para 50 ouvintes. É um nicho: acontece numa galeria em vez de num museu; a iniciativa é forte e a história local da joalharia contemporânea é construída, passo a passo, exposição a exposição, artista a artista, galeria a galeria. “As galerias existem para educar e explicar o valor das coisas ao público”, diz Crespo. “Também é importante que os artistas tenham um lugar para expor, mostrar e vender seus bons trabalhos, caso contrário, eles vão começar a criar coisas baratas e fáceis apenas para ganhar dinheiro”, disse Crespo.

As próximas artistas a apresentar o seu trabalho no âmbito das Conferências Trajetórias serão Ana Albuquerque (março) e Teresa Milheiro (abril).

Com o apoio da PIN - Associação Portuguesa de Joalharia Contemporânea.