Notas sobre a ARCO Lisboa 2026 - Ayşenur Tanrıverdi

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Notas sobre a ARCO Lisboa 2026

DATA

15 Jun 2026

AUTOR

Ayşenur Tanrıverdi

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Notas sobre a ARCO Lisboa 2026

AUTOR

Ayşenur Tanrıverdi

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Com curadoria de Sofía Lanusse e Diogo Pinto, e com o apoio de Sofia Montanha, a secção Opening Lisboa reúne dezassete galerias empenhadas em linguagens artísticas emergentes e espaços de exposição alternativos. Os curadores descrevem-na como uma «órbita», uma metáfora adequada, uma vez que tudo aqui parece estar em movimento, moldado por um processo constante de interação. É um ambiente notavelmente vibrante que se envolve com as incertezas do panorama político contemporâneo, refletindo simultaneamente sobre a capacidade duradoura da arte de resistir à passagem do tempo."

Este ano, na ARCO Lisboa, uma citação irónica chamou-me a atenção. As palavras pertenciam a Ozymandias, um dos poemas mais célebres de Percy Bysshe Shelley. O poema narra a história de um viajante que se depara com a estátua destruída de um rei antigo, semi-coberta pelas areias de um deserto. No seu pedestal estão inscritas as seguintes palavras:

“Look on my Works, ye Mighty, and despair! Nothing beside remains. Round the decay Of that colossal Wreck, boundless and bare The lone and level sands stretch far away.”

O poema capta de forma belíssima a tensão entre o poder político e material, por um lado, e a resistência artística, por outro. Embora Shelley saliente que «nada mais resta» para além da estátua em ruínas e do seu pedestal, algo sobreviveu, de facto, ao longo dos séculos: a arte.

Apenas alguns minutos antes de me deparar com o poema de Shelley, conversava com Diogo Pinto, um dos co-curadores da Opening Lisboa, sobre a pertinência dos programas com curadoria no ecossistema de feiras de arte de grande escala, como a ARCO. Na sequência de um poema que aborda o poder, o tempo, o espaço e a permanência, muitas das ideias discutidas pareciam assumir um significado renovado.

«É claro que as secções com curadoria continuam a ser um ambiente altamente comercial, tal como o resto da feira. Mas aqui são reunidos recursos específicos - por exemplo, os custos de exposição são mantidos mais baixos - para que se possa criar um espaço para a experimentação, a tentativa e erro, a assunção de riscos e a descoberta», explica ele, acrescentando: «Estes são, de certa forma, os criadores de tendências do futuro.»

As observações de Pinto sugerem que a pressão pelo sucesso financeiro pode facilmente ofuscar trabalhos invulgares, ousados ou mais desafiantes para o comprador de arte comum. O que importa, em última análise, é se os visitantes conseguem envolver-se com a urgência da atualidade, experimentar uma sensação de novidade e surpresa e sentir a emoção de encontrar novas vozes artísticas.

Com curadoria de Sofía Lanusse e Diogo Pinto, e com o apoio de Sofia Montanha, a secção Opening Lisboa reúne dezassete galerias empenhadas em linguagens artísticas emergentes e espaços de exposição alternativos. Os curadores descrevem-na como uma «órbita», uma metáfora adequada, uma vez que tudo aqui parece estar em movimento, moldado por um processo constante de interação. Olhando mais de perto, temos a impressão de percorrer uma exposição coletiva animada por uma energia partilhada, em vez de uma feira comercial convencional. É um ambiente notavelmente vibrante que se envolve com as incertezas do panorama político contemporâneo, refletindo simultaneamente sobre a capacidade duradoura da arte de resistir à passagem do tempo.

Uma das novidades desta edição é o Archipelago of Art Histories, um projeto liderado por Cosmin Costinas que explora as linhagens e as formas de conhecimento herdadas que moldam a prática contemporânea. O projeto contou com a participação de seis galerias. Destaque ainda para as Millennium Art Talks, cujas discussões decorreram em torno do colecionismo, do mecenato e do conteúdo das secções com curadoria da feira, entre outros temas.

O que estava em jogo nas secções curatoriais da feira era precisamente a possibilidade de criar um espaço para colecionadores e públicos emergentes que fosse inspirador, encorajador e aberto — um espaço em que as respostas intuitivas não fossem descartadas como erros. Neste sentido, a reflexão sobre o poder articulada em Ozymandias adquiriu uma ressonância distintamente contemporânea. As forças financeiras e políticas que tantas vezes dominam o mundo da arte pareciam lançar aqui uma luz diferente, capaz de ofuscar as hierarquias estabelecidas. Sob esta iluminação, paradigmas herdados, estruturas de poder e a suposição de que os recursos financeiros devem fluir por um único canal dominante pareciam dissolver-se, tal como o reino de Ozymandias. O que restou não foi o império, mas o poema; não a autoridade, mas a capacidade duradoura da expressão artística.

Embora nenhum relato possa fazer justiça a um evento desta dimensão, gostaria de apresentar algumas breves observações pessoais.

Um dos artistas representados pela Chilli Gallery, Tada Keisuke, trabalha com o tema «Memento», permitindo que o presente se infiltre pelas fendas da textura histórica. As suas pinturas, inspiradas na Escola de Barbizon dos pintores franceses do século XIX, retratam paisagens rurais. As superfícies parecem fraturadas e estratificadas, como se se estivessem a descascar em sucessivas camadas, tão frágeis que se imagina poderem desintegrar-se ao mais leve toque. Não há qualquer dramatismo evidente nestas imagens: apenas pessoas a trabalhar silenciosamente e espigas de trigo a ondular ao vento, tal como devem ser.

A partir de Sevilha, os artistas representados pela DiGallery, Pepe Domínguez e Emma Mating, abordam o tema Num Limiar através da condição de liminaridade: articulam a curvatura no continuum espaço-temporal por meio de uma noção de alienação corporal.

«A individualidade», escreve Henri Lefebvre, «é, dependendo do ângulo e do período histórico a partir do qual é observada, tanto concreta como extremamente abstrata; historicamente, é simultaneamente o elemento mais mutável e o mais estável.» Neste sentido, a alienação entre o indivíduo e o coletivo produz um antagonismo fundamental. Estamos familiarizados com o espaço, mas não sentimos que ali pertencemos; reconhecemos os nossos corpos, mas podemos ainda assim ser governados por uma ansiedade cuja origem permanece obscura. Será possível, então, que toda uma vida se desenrole à beira de um limiar, suspensa numa hesitação perpétua?

A alienação na sociedade moderna define-se através de um movimento duplo de objetivação e externalização, tanto da realização como da sua incapacidade de se realizar. A liminalidade, enquanto condição de «estar-no-meio», oferece talvez a articulação mais precisa desta tensão.

A propósito do espaço, foi impressionante deparar-me com as obras do Salón Silicón, que apresentavam a artista Sandra Blow. Nestas obras, testemunhamos momentos íntimos em que as fronteiras do espaço se dissolvem por completo. A orientação e o conhecimento espacial - enquanto formas de nos situarmos no mundo - são subitamente desestabilizados pelo convite das próprias figuras fotografadas, evidenciando que as coordenadas espaciais são, na verdade, uma forma de autoconstrução.

Como mencionei anteriormente, esta secção desencadeou em mim uma série de intensas mudanças emocionais. Tinha já encontrado as obras de Eduardo Antonio na Galeria Plato, no Porto, enquanto vagueava sem rumo pela cidade. Relembro os flashes de luz a irromperem no meio de sombras profundas. As obras parecem pertencer a uma figura de imensa presença física, de estatura quase assustadoramente grande, mas que, paradoxalmente, carrega um coração extraordinariamente terno e frágil. Através da sua paleta e densidade afetiva, constroem um mundo que seduz o espectador lentamente, com passos deliberados e pesados. Sugerem uma convergência de prazer e inquietação, semelhante a levantar a crosta de uma ferida profunda e de longa data, tudo dentro de uma superfície serena e contida.

André Breton descreveu uma vez a arte como «uma precaução contra a tentação do desespero». Uma das formas mais marcantes de ceder ao fascínio do desespero, paradoxalmente, pode ser através da arte, através da sua linguagem espinhosa e frequentemente irónica.

Gonçalo Pena e Sara Graça, da Galeria Diálogo, fazem ambos uso eficaz deste caminho espinhoso. As suas obras desarmam formas e posturas que se consideram excessivamente dignas ou presunçosas, virando-as do avesso para expor os seus absurdos. Ao fazê-lo, assumem um papel protetor contra figuras opressivas.

O humor contemporâneo, neste sentido, funciona de forma muito semelhante ao humor dadaísta: é uma força erosiva de desmantelamento, um grande riso que perfura o fanatismo.

De Santiago do Chile, o Espacio 218, através das obras de Javiera Gómez e Noël Saavedra, oferece uma viagem contemplativa e reconfortante, realizada sob a luz abstrata da perceção. Tal como em Hymns to the Night, todo o universo parece suavizar-se no peito, oculto num batimento cardíaco lento e rítmico. Abrimo-nos para o universo cósmico de Saavedra nas suas peças têxteis através das obras de Gómez, que se desdobram por trás do puxador de uma porta delicadamente trabalhado, ou dentro do véu quase imperceptível de um olhar.

Além disso, no âmbito do programa Lisboa Cultura, foi apresentada uma exposição antológica de Jorge Martins, no rés-do-chão do Torreão Nascente da Cordoaria Nacional, e a exposição TRÊS no Torreão Poente.

TRÊS, As coleções da Fundação EDP marcou o 10.º aniversário do MAAT, oferecendo uma perspetiva sobre as relações entre humanos e máquinas, conhecimento e pensamento, consciência e experiência. Os fundamentos mecânicos enraizados no pensamento contemporâneo sugeriam uma continuidade, como se o contemporâneo e o clássico estivessem sempre envolvidos numa colaboração silenciosa e contínua.

O resultado foi um espaço em que a documentação histórica e a imaginação artística se entrelaçaram, produzindo um limiar leve, quase irónico, entre o real e o especulativo. A experiência revelou-se lúdica precisamente porque um humor subtil e sarcástico parecia percorrer tanto as obras contemporâneas como os cartazes publicitários de meados do século, onde o trabalho doméstico e os seus fardos quotidianos eram frequentemente refletidos através do humor e da sagacidade visual.

Tenho um apreço especial pelo local onde se realiza anualmente a ARCO Lisboa, um edifício industrial singular projetado pelo arquiteto Reinaldo Manuel dos Santos, que se estende por cerca de quatrocentos metros ao longo do rio Tejo. Antiga fábrica de cordas, continua a desempenhar um papel decisivo na definição da experiência da feira. A sua arquitetura longa e linear produz uma sensação contínua de movimento para a frente. A feira desenrola-se como um passeio em que o pensamento se acumula num fluxo linear, permitindo-me organizar e localizar as obras em secções mentais.

Refletindo sobre o sucesso da ARCO Lisboa, Filipa Oliveira, diretora do Museu Nacional de Arte Contemporânea, observa que a cena artística portuguesa atingiu um momento particularmente fascinante no seu desenvolvimento.

Filipa Oliveira salienta que Portugal acolhe artistas de renome internacional ao mesmo tempo que permanece uma sensação palpável de possibilidade e de potencial inexplorado na cena artística. Destaca uma abertura à inovação, que contribuiu para o fortalecimento e a resiliência da ARCO ao longo dos últimos dez anos. Um dos fatores-chave por detrás deste desenvolvimento, argumenta, é a contribuição de agentes culturais provenientes de diferentes contextos geográficos, o que tornou a cena artística portuguesa mais diversificada, dinâmica e interligada. Apesar das limitações estruturais enfrentadas pelos artistas, acrescenta, a produção artística contemporânea em Portugal é hoje notavelmente vibrante e robusta.

A edição deste ano da ARCO Lisboa ofereceu, em muitos aspetos, uma apresentação abrangente e intensificada de categorias tanto na arte como no pensamento. Como resultado, a arte parece enraizar-se na vida quotidiana, tanto em termos teóricos como ideológicos. Trata-se de um empreendimento complexo e abrangente que, em última análise, aprofunda a forma como nos relacionamos com o discurso artístico contemporâneo.

A próxima edição da Feira Internacional de Arte Contemporânea ARCO Lisboa está agendada para o final de maio de 2027, em Lisboa. Mais informações estarão disponíveis em breve.

BIOGRAFIA

Ayşenur Tanrıverdi é uma escritora sediada em Istambul. Vive em Lisboa desde setembro de 2022. Estudou na Universidade de Istambul e é autora de duas obras de ficção literária publicadas. Colaboradora regular do Cumhuriyet, um importante jornal turco, onde escreve sobre a cultura portuguesa. Os seus ensaios e textos críticos sobre teatro, literatura e arte contemporânea também têm sido publicados em várias revistas de arte.

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